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Dans le petit village de la province de Kangwon en Corée du Sud, les mines de charbon sont en plein déclin et l'unique perspective est l'ouverture prochaine d'un casino. La petite Young-lim, neuf ans, vit avec son père et son grand frère d'onze ans, qui souffre de troubles mentaux. Le père doit quitter la mine car il est atteint d'une pneumonie : la loi veut que les mineurs ne soient hospitalisés que s'ils souffrent d'une seconde maladie. Young-lim s'occupe alors seule du foyer familial. Le lieu du tournage englobe à lui seul toute la noirceur du film : le village est situé dans une cuvette enneigée, dont la seule porte de sortie est l'arrêt du bus qui mène à la ville (et dont l'image ouvre et clôt le film). Par le contraste entre le sol noir caillouteux et les versants blanchis par la neige, Jeon Soo-Il restitue la dualité de la montagne : elle est tantôt le terreau empoisonné où s'enracine la vie des habitants, tantôt le mur infranchissable, la pente abrupte qui précipite la chute du père et de ses espoirs... La jeune génération pousse comme un perce-neige sur cette terre glacée. Au propre – en faisant retentir les cloches du village – comme au figuré, les enfants sonnent le glas d'une époque révolue. Ils apportent des solutions d'enfants aux problèmes que leurs aînés ne sont plus capables de résoudre. La petite fille, vêtue de rouge dans les moments dramatiques, est animée du même instinct de survie qui pousse les mères de la région à franchir la montagne pour s'installer en ville.
Jeon Soo-Il, dans ce cinquième film qu'il décrit comme une “fable tragique”, commence par poser le contexte social sur le mode du documentaire, caméra au poing. Puis il s'en éloigne progressivement pour se rapprocher de ses personnages à travers des plans fixes empreints d'humanité, de poésie, et d'une incomparable intensité. Si, comme l'affirme le réalisateur coréen, le cinéma a encore pour vocation de « parler avec des images », alors La petite fille de la terre noire est une réussite. (C.D.)
Un film de Jeon Soo-il avec Yu Yun-mi, Jo Yung-jin – Zootrope Films

De retour de l'armée russe où il officiait comme sous-marinier, le tendre Asa retrouve l'affection de sa soeur et son beau-frère qui l'accueillent dans la yourte familiale. Le berger poète de retour dans la steppe kazakhe se voit promettre un troupeau s'il prend épouse. Or il n'est qu'une jeune fille à 500 km à la ronde, la belle Tulpan (la Tulipe), et Tulpan, elle, rêve d'aller au collège et invoque le pretexte que son prétendant a de trop grandes oreilles... Après une première scène kusturicienne où la famille de l'amoureux palabre avec les parents d'une Tulpan incrédule et cachée derrière une épaisse tenture, le film bascule dans une dimension poétique absolue. La steppe, à la fois espace physique, métaphorique, abstrait, y occupe le premier plan et c'est sa beauté âpre qui est la véritable star du film. La mystérieuse Tulpan y fait office de mirage, on n'en verra pas plus qu'un petit bout d'oeil ou de tresse brune, et l'on ne saura d'elle que ses ambitions de quitter la vie nomade pour étudier. Une vie nomade sublimée par le réalisateur, dans toute sa rudesse : conditions climatiques extrêmes, nourriture rare, mais aussi toute sa tendresse : les scènes familiales dans la yourte sont d'une douceur extrême, et plongent le spectateur dans l'harmonie de la petite famille nomade, quelque part dans le désert entre Orient et Occident.
La désolation des personnages se fond avec celle de la nature, qui,  trop pauvre pour nourrir les bêtes, compromet l'avenir du troupeau, de la même manière que les refus obstinés de Tulpan compromettent la famille d'Asa. Le coeur et la raison, des sujets décidément aussi compliqués pour les bergers kazakhes soumis au destin que pour les spectateurs occidentaux de l'intrigue...En quelques touches toujours d'une grande pudeur, Sergey Dvortsevoy évoque un monde qui change, les aspirations des héros à une vie meilleure, aux études, à un exil citadin, désirs qu'ils ont du mal à concilier avec un mode de vie traditionnel qu'il leur est impossible de renier, le manque de femmes dans certaines régions du monde, l'amour familial salvateur et enfin l'espoir, symbolisé par l'émouvante naissance d'un agneau. Une très belle découverte cinématographique, véritable bouffée de poésie qu'il serait bien dommage de manquer. (M.A)
Un film de de Sergey Dvortsevoy avec Askhat Kuchinchirekov, Samal Eslyamova, Ondasyn Besikbasov – ARP Sélection

C’est dans l’abbaye fortifiée de Kells, au IXe siècle, que vit Brendan, 12 ans, jeune moine soumis à l’autorité d’un oncle despotique et austère. Ce dernier a oublié depuis bien longtemps l’art de l’enluminure au profit de la construction d’un mur d’enceinte qui, il l’espère, le protègera des invasions des hordes barbares. L’arrivée du frère Aidan, un maître enlumineur chassé de son abbaye par les Vikings, va venir bouleverser l’ordre établi et la vie bien rangée du scriptorium des moines copistes. Aidan est le gardien d’un livre sacré, le Cathach de Saint Colomba , un manuscrit destiné à apporter la lumière aux peuples. En demandant à Brendan de l’aider à achever son œuvre, il va l’encourager à repousser les frontières du monde étriqué qui était jusqu’alors le sien pour découvrir qu’il n’y a pas que dans les livres qu’on peut apprendre…

Réalisé presque entièrement à la main et en 2D, Brendan et le secret de Kells ressemble à un ouvrage ancien, précieux, où chaque détail a été pensé et peaufiné avec méticulosité. Son esthétique très particulière, bien loin de la course à l’hyper-réalisme de certains de ses concurrents, lui apporte beaucoup de fraîcheur et d’innocence. L’image, pleine de vie, est d’une beauté presque irréelle. La palette des couleurs est très riche et puise directement dans l’enluminure dont elle s’inspire. Le rendu des textures est impressionnant et le dessin, d’une grande finesse, fait de courbes et de volutes, rappelle les enluminures médiévales, tout en gardant une influence celtique qui lui confère une grande originalité. Et même si le scénario, qui s’inspire de la légende du Livre de Kells, s’appuie sur le modèle classique du conte initiatique, sa portée philosophique et poétique en fait un film atypique et propose au spectateur plusieurs degrés d’interprétation. Alternant passages poétiques et moments durs, Brendan et le secret de Kells offre un voyage magique dans la légende irlandaise. Un moment éblouissant. (S.M.)
Un film d’animation de Tomm Moore – Gebeka Films

La canicule se fait plaisir et envoie sous terre nos petits vieux. Sonia a trois enfants et un mari à la maison. Noire, elle s’occupe de vieux blancs, et de l’entretien d’une laverie. La vie suit son cours avec vue sur la cité des alouettes, jusqu’au jour du mariage de la fille aînée…. Reflet d’une réalité que trop de gens ignorent et qui pourtant fait partie de notre société, Aide-toi le ciel t’aidera met en scène une pléiade d’acteurs pleins d’authenticité, de personnages réalistes et imparfaits. Une mère un peu faible, pas toujours catholique, mais qui ne veut que le bonheur de sa famille, des enfants insolents, des coiffeuses nymphomanes, des voisins attachant de perversité... Les festivals ne s’y sont pas trompés, le prix d'interprétation féminine, attribuée à Felicite Wouassi pour son rôle au Festival de Tokyo est plus que mérité, tout comme la mention spécial du jury remporté par le film lors de sa présentation au Festival de Rome.

Après Mr Ibrahim et les fleurs du Coran, François Dupeyron s’est inspiré de Quatre mariages et un enterrement pour l’écriture de Aide-toi le ciel t’aidera. Séduit par la gaieté qui se dégage du film anglais, il avait envie de légèreté et il l’a bien restituée. Voici un film de société qui choisit de mettre en scène une famille noire. Mais, et c’est là que ça devient intéressant, son sujet principal n’est rien d’autre que cette famille, il ne dénonce pas de racisme, de policiers véreux, de parents absents, de manque d’argent, etc... Bien sûr, ces sujets seront évoqués au fur et à mesure, mais ils se feront toujours discrets, comme fondus en arrière plan. Le but de ce film n’est pas de dénoncer quoi que ce soit, il milite mais n’attaque pas, il se contente de témoigner. Le tout reste relativement cynique, toujours dynamique et vivant, notamment grâce aux prises de vues originales et à la musique made in Africa. (G.M.)

Avec Ralph Amoussou, Felicite Wouassi, Mata Gabin, Claude Rich – ARP Sélection

D’une fraîcheur incroyable, ce joli conte plonge le téléspectateur dans le monde d’un petit garçon universel dont les astuces et le petit air canaille sentent bon l’insouciance de l’enfance. Stefek, du haut de ses dix ans, aime regarder passer les trains et se prendre pour un grand. Deux soldats de plombs logent dans ses poches, gardiens d’une ingéniosité dont la sœur aînée fait parfois les frais. La vie n’est pas sans soucis dans son petit village de Pologne, mais on les oublie vite car en forçant le destin ou son copain la chance, tout devient possible. Les acteurs sont remarquables de naturel et les paysages doux comme le printemps (en été). Ajoutez à cette recette une musique bienveillante, rythmée et parfois presque cocasse et sous vos yeux prend vie une histoire merveilleusement ficelée, teintée de rêve. Ce film tourné vers l’Est n’est donc pas réservé à un public polonais, slaves et autres buveurs de vodka. Loin des clichés, il montre un autre visage de la Pologne, ou du moins une facette que l’on ne s’attend pas forcement à découvrir, belle, imparfaite et authentique. Soyez assurés de l’effet de ce film sur votre humeur. Bravo à Andrzej Jakimowski, réalisateur qui a réussi haut la main son tour de passe-passe (traduction littéraire du titre polonais). Il démontre que la vie en Pologne, comme ailleurs, peut toujours être simple et douce, pourvu qu’on y croit. (G.M.)
Un conte d'été polonais, avec Damian Ul, Ewelina Walendziak, Rafal Guzniczak, Tomasz Sapryk, Iwona Fornalczyk — un film KMBO

Rencontre publique au cinéma Star à Strasbourg avec Andrzej Jakimowski, réalisateur du Conte d'été polonais :

Le réalisateur, bienveillant et tout en simplicité a tenté de répondre aux questions parfois alhambiquées de téléspectateurs enchantés. Personnellement, j’ai résisté à l’envie de lui demander tout simplement le nom de la ville choisie pour le tournage, j’aurais été tentée de réserver un billet sur un coup de tête pour ce petit coin de gentille tranquillité. J’ai donc écouté : que pensez vous de la musique ? N’y a-t-il pas un clin d’œil à telle référence du cinéma italien ? Pourquoi ce film ? Selon moi, chez Jakinowski le cinéma est tout simplement naturel : réfléchi et bien pensé, mais pas à décortiquer, juste à regarder et à apprécier. Quelques propos :

« Toutes les affiches sont imprimées, la programmation est planifiée : l’imminence de l’avant-première est déjà sur toutes les lèvres. L’équipe du film est sur le qui-vive et attend avec impatience la projection du fruit de son travail… Le staff oublie le reste du monde et toute considération, notamment politique... Vexée, l’assemblée nationale polonaise décide de se dissoudre, histoire de voler la vedette au septième art, non mais… Pourquoi chercher : la date idéale pour ressouder tout ce petit monde est toute trouvée, il suffit de squatter le créneau de la dite avant-première… heureusement, le peuple a toujours besoin d’oublier vite les candidats qu’il vient d’élire et pour cela rien de mieux qu’un bon film… la présentation du conte n’a donc pas souffert du désordre politique environnant. Heureusement ! »

« Pour le rôle du SDF, j’ai tenu à faire venir de Varsovie un acteur que j’aime beaucoup… par contre pour les personnages principaux, j’ai préféré recruter dans la rue des perles d’acteurs inconnus… (adaptation libre de ce qui a été traduit lors de l’avant première, ndlr) »

La Frontière de l’aube, de Philippe Garrel
Un jeune photographe, joué par Louis Garrel — très professionnel mais sans surprise —, doit faire un reportage sur une belle actrice en herbe, Carole. Entre les deux se développe très vite un amour fou, ils passent des semaines de fascination réciproque dans le vide d’un grand appartement parisien. Le bonheur touche à sa fin quand le mari de Carole rentre des Etats-Unis. Mais leur amour est déjà trop grand. Carole se brise, François se reconstruit une vie : il décide de se marier avec une amie enceinte, mais Carole tente tout pour faire avorter ce nouvel amour… Comme tous les films de Philippe Garrel, La Frontière de l’aube évoque les différentes formes de l’amour et la difficulté qu’on rencontre à les parcourir. Qu’est-ce qui reste le plus véritable, l’amour fou ou l’amour qui s’arbitre au planning familial ? Qu’est-ce qu’il arrive si du coup il est question de prendre la responsabilité de son amour ? La phrase centrale vient du meilleur ami de François qui répond à la crise qu’il vit par un simple « Ce qui te tourmente, c’est l’amour bourgeois ». Malheureusement, Louis Garrel ne réussit pas à partager ce tourment de manière crédible.
Autant le sujet de l’amour reste indémodable, autant l’esthétique du film — d’ailleurs parfaitement composé — est elle aussi indémodable. Les protagonistes pourraient vivre indifféremment aujourd’hui ou dans les années 70, et seul l’ordinateur du réceptionniste de l’hôtel vient contrecarrer l’intemporalité des images en noir et blanc. S’affirmant dans le plus beau style de la Nouvelle Vague, celles-ci positionnent Philippe Garrel comme l’un de ses derniers représentants, bien qu’il n’en ait jamais fait partie. Le thème romantique de l’amante morte, qui apparaît dans le miroir de son amour perdu, laisse percer des réminiscences du cinéma expressionniste allemand, quitte à prendre le risque d’un certain ridicule.
Garrel baigne dans la contemplation de ses protagonistes féminines, notamment Laura Smet qui prête son charme félin au rôle de Carole. Il vit à plein son amour pour le visage féminin sur lequel la caméra se pose avec délice. Ce sont ces images magnifiques qui font la puissance de ce film et qui mettent complètement en arrière-plan la narration. Dans toute cette beauté, il est pourtant difficile de ne pas ressentir les quelques longueurs que le film laisse apparaître. Si un réalisateur comme Philippe Garrel doit toujours se laisser mesurer à l’ensemble de son œuvre, La Frontière de l’aube, malheureusement, ne s’impose pas comme un film majeur, le réalisateur se montrant beaucoup trop fidèle à des recettes filmiques déjà éprouvées, sans avoir pu cette fois-ci les hausser à leur meilleur niveau. (C.D.)
Un film de Philippe Garrel, avec Louis Garrel, Laura Smet, Clémentine Poidatz — Les Films du Losange



Ein junger Fotograf, gespielt von Louis Garrel (professionell aber ohne Überraschung), wird mit einer Reportage über die schöne, aufstrebende Schauspielerin Carole beauftragt. Zwischen den beiden entwickelt sich schnell eine amour fou – Wochen verbringen sie in gegenseitiger Versunkenheit in Carols großem, fast leeren Pariser Appartement. Das Glück wird jäh unterbrochen, als Caroles Mann aus den USA zurückkommt. Doch da ist ihre Liebe schon zu groß. Carole zerbricht daran, Francois baut sich eine neues Leben auf.
Ein Jahr später ist er auf dem Weg, zu heiraten, seine Freundin erwart ein Kind. Aber der Geist Caroles versucht alles, diese neue Liebe zum Scheitern zu bringen …
Wie in allen Filme von Philippe Garrel geht es auch in „La Frontière de l’aube“ um die verschiedenen Arten der Liebe und die Schwierigkeit, sie zu meistern. Was ist wahrer, die amour fou oder die geborgene Liebe mit Familienplanung? Was passiert, wenn es auf einmal darum geht, für seine Liebe Verantwortung übernehmen zu müssen? Der zentrale Satz kommt vom besten Freund Garrels, der auf die Krise seines Freundes mit einem lapidaren „Das, was dich quält, ist die bourgeoise Liebe“ reagiert. Schade, dass Louis Garrel es nicht schafft, diese Qual glaubwürdig zu transportieren.

So zeitlos wie das große Thema der Liebe, so zeitlos ist auch die perfekt durchkomponierte Ästhetik dieses Films: Die Protagonisten könnten heute genauso gut wie in den 70ern gelebt haben, der Computer in der Hotelrezeption konterkariert die schwarz-weiß-Ästhetik der Bilder, die im schönsten Stil der Nouvelle Vague daherkommt, deren ehrlichster Vertreter Garrel wohl bis heute ist, ohne jemals dazu gehört zu haben. Das romantische Thema der toten Geliebten, die dem erschütterten Lover im Spiegel erscheint, lässt den deutschen expressionistischen Film wieder auferstehen, nur dass dieser Effekt heute riskiert, einen Film der Lächerlichkeit preis zu geben.
Garrel gibt sich elegischen Betrachtung seiner weiblichen Hauptdarstellerinnen hin, lebt seine Liebe für das weibliche Gesicht voll aus, vor allem dem von Laura Smet, die ihren katzenhaften Charme der Rolle der Carole leiht. Der Film lebt von diesen wunderschönen Aufnahmen, die die Narration allerdings vollständig in den Hintergrund stellt. Bei all der schwarz-weißen Schänheit ist es für den Zuschauer schwierig, nicht die Längen zu spüren, die der Film eindeutig hat.
Ein Filmemacher wie Philippe Garrel muss sich immer an seinem Gesamtwerk messen lassen. Darin wird „La frontière de l’aube“ mit Sicherheit nicht die erste Position einnehmen. Der Film ist keine cineastische Überraschung und mit Sicherheit kein Highlight. Dafür scheint Garell zu sehr seinen seit Jahrzehnten erprobten filmischen Rezepten verhaftet zu sein, ohne dass es ihm diesmal gelungen wäre, sie auf eine neue Ebene gehoben zu haben. (C.D.)